Твое место среди первых

Подпишись на новости фонда, получай актуальную афишу, уникальные промокоды и специальные предложения на билеты!

Информация2018-10-19T13:25:16+03:00

Концерты в Соборе на Малой Грузинской организует благотворительный фонд “Искусство добра”. Собранные с концертов средства направляются на содержание здания Собора, реставрацию органа Kuhn и на другие благотворительные проекты фонда. Посещая концерты, вы делаете мир лучше!

Проекты фонда “Искусство добра:
Фестиваль в Москве на театральном органе Allen “Progressive Organ “: органныйконцерт.рф
Международный фестиваль “Органные сезоны” на Юге России: органныесезоны.рф
Международный Рождественский фестиваль “Искусство добра”: christmasfest.ru

Новости и объявления

Апрель 2019

Пасхальный гимн воскресения

14.04.2019|

В начале ХХ века армянский народ перенес геноцид, унёсший жизни почти полутора миллиона армян. На тот момент это было около половины всего армянского населения мира. По политическим причинам страшное событие долго старались не замечать. Спустя почти век после трагедии, в 2015 году Европарламент объявил 24 апреля европейским Днем памяти жертв геноцида армян в Османской империи. А с нынешнего года 24 апреля стало национальным днем памяти жертв геноцида армян во Франции. Но уже давно без всяких официальностей в этот день миллионы армян и сочувствующих им представителей других народов в разных странах мира вспоминают невинно убиенных. В этот день в соборе прозвучит армянская музыка, сыгранная на дудуке – уникальном инструменте, звучание которого ЮНЕСКО признало шедевром всемирного нематериального культурного наследия. Концерт задуман не реквиемом по ушедшим, но пасхальным гимном Воскресения.

Неслучайно в нем участвуют два юных таланта: Вильям Хайло (скрипка) и Даня Хачатуров (вокал). Это не просто вундеркинды, это дети, сразившиеся со смертью. Оба мальчика пережили тяжелейшее заболевание и нашли в себе силы не только выжить, но добиться высочайшего уровня в музыкальной профессии. Их игра и пение дарит красоту, но еще и – веру. Веру в безграничные возможности человеческой личности и помощь Божью, когда, казалось бы, уже не может быть спасения. Символом невидимой, но такой ощутимой заботы небес станут звуки большого соборного органа, сопровождающего весь этот трогательный вечер. За органным пультом – титулярная органистка собора Марина Омельченко.

Приглашаем Вас на Пасхальный фестиваль в Соборе на Малой Грузинской!

#классическаямузыка #музыка #классика #собор #концерт#концертвМоскве #ВильямХайло #скрипка
#ДаниилХачатуров #вокал #МаринаОмельченко #орган
#ОганесКазарян #дудук #ТерминеШеффер #сопраноАвстрия

Ангелина Вовк выступит в Соборе на Малой Грузинской

11.04.2019|

Ангелина Вовк – всеми узнаваемая персона. Лицо многих популярных телепрограмм, она сотрудничала с самыми рейтинговыми российскими телеканалами. «Танцы со звездами», «Доброе утро, Россия», «Доброго здоровьица» и многие другие. Но, пожалуй, самым запоминающимся ее телепроектом, стало участие в программе «Спокойной ночи, малыши!». Целое поколение детей полюбило добрую тетю Лину, каждый вечер ожидая встречи с ней. Можно предположить в этом случайное стечение обстоятельств, но далеко не все актеры и ведущие способны найти себя в «детском» мире. Ангелина из тех редких взрослых, кто смог сохранить в себе все лучшее из детства.

Она романтик и с активной жизненной позицией. Родившись в семье авиаторов, мечтала облететь весь мир. Для этого усердно занималась английским, что в советское время было не так уж просто. Но она решила стать стюардессой высшего класса. Правда, судьба распорядилась по-другому: проявилось яркое актерское дарование, перед девушкой открылись двери ГИТИСа. Ангелина снялась в военном фильме «Прощай» режиссёра и автора сценария Григория Поженяна и вдруг поняла, что актерская профессия ей не близка. Она стала диктором и вот тут-то ее детская непосредственность сыграла с ней злую шутку. Нужно было читать серьезные новости, а Ангелина, делая «официальное» лицо, не могла удержаться от смеха. Пришлось отказаться и от этой профессии. И тогда ее пригласили в «Спокойной ночи малыши!», где живой характер очень пригодился. С тех пор уже много Ангелина Вовк с успехом ведет детские и музыкальные передачи, прекрасно импровизируя и чувствуя себя в своей тарелке.

Детство для нее – важнейшая тема жизни и творчества. Не имея своих детей, она имеет много крестников, а их детей считает своими внуками. Но это далеко не все. Ангелина стала крестной матерью для большого количества юных дарований. Каждое лето она проводит в легендарном детском центре «Орленок» на берегу Черного моря свой фестиваль «Песенка года» и всячески поддерживает детское творчество в роли президента Российского фонда культуры и искусства.

У Ангелины Вовк есть прекрасный жизненный девиз: «Оптимизм – это способ видеть жизнь такой, какой ты хочешь её видеть». С помощью него она старается противостоять мрачным настроением, которые – увы! – часто встречаются в современном обществе. Она подает прекрасный пример молодому поколению, занимаясь моржеванием и горнолыжным спортом. Причем катанием с гор она занялась в возрасти 60-ти лет. Также телеведущая находится в постоянном общении с природой, возделывая любимый сад и тщательно следит за своим питанием находясь в прекрасной форме. Сегодня в тренде идея об условности возрастных категорий. Ангелина Вовк – настоящий современный человек, подтверждающий эту теорию своим личным примером!

Католическую Пасху, которая в этом году на неделю раньше, чем Православная, можно отметить праздничным концертом в соборе. Солисты Большого театра исполнят под орган духовную музыку классиков: И.С. Баха, В. Моцарта, Дж. Россини, Г. Доницетти, Ф. Шуберта, Ф. Мендельсона и других. Программа подобрана так, чтобы максимально прочувствовать радость от возвращения весны и победы жизни над смертью. А проведет вечер популярная телеведущая Ангелина Вовк.

Приглашаем вас провести вечер в Соборе на Малой Грузинской!

Stabat mater…Стояла мать скорбная…

11.04.2019|

Сколько страданий выпало на долю Богородицы начиная с Благовещения. Она ведь рисковала жизнью, ответив согласием ангелу. По традициям тех времен женщину, беременную не от мужа, могли забить камнями. И потом, родив Божьего Сына, она была вынуждена скитаться, скрываясь от царя Ирода. Все эти невзгоды меркнут перед финалом истории – горем матери, видящей своего ребенка распятым на кресте. Но ангел все равно говорит “Радуйся, Мария, благодати полная”.

Кажется, где же здесь благодать? Чтоб понять это, нужно быть верующим человеком. Сакральный смысл иногда трудно передать словами, но можно – музыкой. Stabat mater А. Вивальди и Дж. Перголези – два гениальных музыкальных рассказа о Смерти, Жизни и Радости.

Латинское стихотворение «Stabat Mater» имеет необычное происхождение. Авторство ее традиционно приписывается итальянцу Якопоне да Тоди, жившему в XIII веке. Он происходил из семьи успешного адвоката и сам сделался преуспевающим юристом. В молодости он любил жить в свое удовольствие. Но со временем в его жизни произошла серьезная перемена.

Легенда рассказывает, что однажды этот бонвиван собрался жениться. Конечно же, на красавице, одновременно строгих нравов – как иначе. Наверняка даже по любви, что касаемо жениха. Невесту вряд ли спрашивали, иначе бы выяснилось еще до свадьбы, что замуж она не особенно стремится.

Вскоре после свадьбы молодая супруга отправилась в паломничество. Случилось землетрясение, и своды церкви, где она молилась, обрушились прямо нее. Но это еще не все. Когда ее мертвое тело вытащили из завалов, то под роскошным платьем обнаружили власяницу.

И тогда Якопоне понял, что жена совершала умерщвление плоти для того, желая испросить у Бога помощь в обращении своего мужа от греховной жизни к праведной. И он действительно стал совершенно другим человеком. От былых развлечений не осталось и следа, как и от юридической карьеры.

Бывший гедонист стал монахом и начать писать мистические стихи. В народе его считали юродивым и посмеивались, но строки из-под его пера трогали всех, потому что были проникнуты таким чувством, будто он сам стоял у креста вместе с Богородицей.

«Stabat Mater» так и переводится «стояла мать». Якопоне да Тоди сочувствует Богородице, «чью душу стонущую, омраченную и скорбящую, пронзил меч». Автор спрашивает в своих стихах: «Какой же человек останется равнодушным, видя Мать Христа в таком унижении?»

Эти слова понятны всем матерям, да и, наверное, всем людям. Потому столько композиторов разных эпох писали музыку на текст «Stabat Mater». Среди них Палестрина, Гайдн, Шуберт, Россини, Лист, Верди, Дворжак, Пендерецкий. И в наши дни продолжают появляться новые произведения.

«Stabat Mater» даже признали отдельным музыкальным жанром. И одной из вершин этого жанра по праву считается шедевр Джованни Баттисты Перголези. Этот композитор прожил всего 26 лет, но успел стать отцом-основателем для целого направления, называемого опера-буффа. На 25-м году жизни композитор заболел чахоткой и покинул Неаполь. Пристанищем ему стало маленькое селение Поццуоли, где и была создана кантата «Stabat Mater». Перголези работал над ней до последних дней своей жизни, постоянно переделывая и улучшая партитуру.

Этот шедевр получил признание далеко не сразу. Современники оценивали сочинение как чрезмерно радикальное. Слишком уж много использовалось в нем приемов, не принятых для того времени – например, мажорный лад в самых трагических местах. «Stabat Mater» Перголези содержит слишком много пассажей, которые скорее могли быть употреблены в какой-нибудь комической опере, чем в песне скорби. Даже знаменитый падре Мартини, у которого сам Моцарт учился писать церковную музыку, не сумел оценить по достоинству это произведение. На самом деле такие парадоксальные средства подчеркивают драматичность текста, обостряя эмоции слушателей. И популярность произведения на протяжении нескольких веков несомненно говорит в пользу Перголези, а не его критиков.

В последующие века «Stabat Mater» Перголези нередко представляли монументальным произведением. И до сих пор жива традиция исполнения этой кантаты большими оркестрами и хорами. А во времена автора оно исполнялось совершенно по-другому – камерно, проникновенно, но от этого ничуть не менее драматично.

Таким же, немногочисленным по составу, замышлялся еще один шедевр, созданный в этом жанре – «Stabat Mater» Антонио Вивальди. Сочинение было написано автором для контральто, струнных и basso continuo по заказу церкви Санта-Мария-делла-Паче в Брешии, городе предков Вивальди по отцовской линии. Вокальная партия предназначалась для исполнителя-мужчины, поскольку женщины в те времена не допускались к исполнению духовной музыки. Конечно, это мог быть только кастрат, причем, обладающий редким тембром. В наше время эту партию исполняют женщины, либо мужчины, обладающие диапазоном и навыком контратенора. Музыка Вивальди довольно виртуозна, что не мешает ей передавать величественные и скорбные образы.

Приглашаем вас на фестиваль духовной музыки «Великая музыка Великого поста» в соборе на Малой Грузинской

 

Март 2019

Духовная музыка

15.03.2019|

Духовная музыка…что это? Хор, звучащий в церкви на Пасху, песня, в которой упоминается Бог или, может быть , просто красивая мелодия, настраивающая на возвышенный лад? И бывает ли музыка недуховная?Термин этот можно понимать очень широко. Тогда в него не попадет лишь музыка, вызывающая откровенно низменные эмоции или песни, написанные на пошлые скабрезные тексты. Определение кажется слишком размытым? Есть и более узкое: к духовной музыке относятся произведения, связанные с религиозными текстами. Кажется правильным, вот только в такую классификацию никак не втиснуть многие инструментальные композиции. Например, знаменитая Токката и фуга Баха ре-минор, первые ноты которой сразу вызывают в памяти соборные витражи, автоматически становится «недуховной». Или такой пример: понравился вам текст Аве Мария, написали вы на него романс под гитару, даже очень удачный, прямо берет за душу. Куда эту музыку теперь причислить?

Попробуем разобраться. «Духовная музыка» – понимается двояко. И как звучание, возвышающее человека над обыденностью и как синоним церковного репертуара, или песен, которые верующие использую в быту. Тут уже все зависит от религии или даже конфессии. Например, в исламе нет богослужебной музыки, как таковой. Есть пришедшая из Индии традиция каввали, когда под музыку исполняют суфийскую поэзию. В иудейской традиции музыка в древних времен занимала важное место. Специалисты подсчитали: в Ветхом завете упоминает целых 24 музыкальных инструмента разных видов – духовые, струнные и ударные. Во времена царя Давида при храме был хор и оркестр. Когда в 70 году храм был разрушен, появились синагоги. В них уже только пели, черпая тексты из книг Иеремии, Иова и Притчей Соломоновых. Интересный факт: раннехристианская духовная музыка развивалась под влиянием иудейской, а потом, более полутора тысяч лет спустя получилось наоборот. В XIX веке в иудаизме зародилось реформистское направление, его активисты (среди них Якоб Херц Бер, отец известного в то время композитора Джакомо Мейербера) начали устанавливать в синагогах органы и делать органные аранжировки традиционных еврейских песнопений. Они хотели приобщить таким образом еврейский народ к европейским ценностям.

Православная традиция кажется нам гораздо более монолитной, в смысле церковной музыки. «Органа в православной церкви не было и нет» – уверенно скажут многие из нас и ошибутся. В греко-православных церквях Америки органы весьма популярны. Есть две неофициальные версии, объясняющие этот факт. Во-первых, некоторые американские православные общины выкупали соборы у протестантов или католиков. А во-вторых, архиепископ Афинагор Спиро, который управлял Греческой Архиепископией в 1931 году, очень любил органную музыку.

Кстати, об органе. Он кажется нам абсолютно «духовным» музыкальным инструментом, а ведь он проник в церковь не сразу и с большим трудом потому, что дискредитировал себя во времена античности. Античная органная музыка мало походила на духовную. Мощный звук органа использовался в массовых мероприятиях. В число таковых входили театральные представления, гладиаторские бои, придворные церемонии, казни. Было бы даже странно появление этого инструмента в христианском храме первых веков новой эры. Согласно легенде, только в середине VII века его ввел в богослужения папа римский Виталиан. Сегодня мы говорим «орган» подразумеваем «Бах». Кажется, что музыка Баха уж точно должна звучать на богослужениях, ведь он был церковным органистом. Тут тоже все не так просто. Бах принадлежал к лютеранской традиции, поэтому на католической мессе его музыка может звучать только в определенные моменты, и только определенные композиции. Зато на концертах, которые проводят почти во всех соборах, где есть орган, Баху всегда рады.

Вернемся к вопросу: будет ли духовной музыкой наш романс под гитару на текст Аве Мария? Несомненно, если он написан красиво и талантливо. А вот исполнение его на богослужении в церкви будет зависеть от соответствия музыкальным канонам той или иной конфессии. Разумеется, из-за гитары он не пройдет цензуру в русской православной церкви, даже если вместо Аве Мария будет ее церковнославянский вариант «Богородице Дево радуйся». Навряд ли его допустят и в католический собор, если автор не имеет представления о музыкальных канонах католицизма. Вполне возможно, этот романс войдет в богослужебный репертуар какой-то из протестантских конфессий, где музыкальные ограничения не так строги. Совершенно точно его будет можно назвать «религиозной» музыкой – той, что звуками напоминает нам о священных текстах. Слушать, а тем более исполнять такие музыкальные произведения –своего рода духовная практика. Известны слова святого Августина Аврелия на эту тему: «Кто поёт о Боге, тот молится Ему дважды».

Приглашаем вас на фестиваль духовной музыки «Великая музыка Великого поста» в соборе Малой Грузинской.

Мистика и готика группы «Pink Floyd»

15.03.2019|

Есть ли нечто общее у органной музыки и тяжелого рока? Наверное, первыми этот вопрос положительно ответили сами рокеры, охотно использующие в своих композициях длинные клавишные соло, не уступающие по сложности гитарным и вызывающие в памяти Баха. Например, знаменитое соло Лорда из «Burn» группы Deep purple. А Рэй Манзарек (группа Doors) даже сам говорил о влиянии Баха на свои клавишные рифы.

Но самая органная из рок-групп, если оценивать по духу, а не по «букве» это, конечно, «Pink Floyd». Именно их музыку называют «психоделической», подразумевая расширение сознания, некий транс, который она вызывает у слушателей. А ведь церковный орган воздействует очень похожим образом. Его выбрали для музыкального сопровождения богослужений неслучайно, органные тембры создают ощущение мистики, чего-то запредельного и космического. Та же «психоделика», только под другим названием.

Идея проявить мистику «Pink Floyd» с неожиданной стороны одновременно пришла в голову двум московским органистам разных конфессий – католической и англиканской. Но если органиста церкви святого Андрея, Дмитрия Максименко такая возможность поначалу заинтересовала чисто теоретически, то у католической органистки из собора на Малой Грузинской, Анны Ветлугиной, за плечами был опыт сотрудничества с рок-музыкантами. Она играла с музыкантами группы «Ключевая», делала юмористические каверы для программ «Своего радио» Семена Чайки на песни «Агаты Кристи», а в 2017 году участвовала в альбоме «Сверхъестественное» хэви-метал группы «Черный кузнец».

Англиканская церковь в Вознесенском переулке и католический собор на Малой Грузинкой немного похожи. Оба построены в готическом стиле из красного кирпича, в обоих есть органы, правда в католическом все побольше. Поэтому органисты решили делать «Pink Floyd» во втором. Партии поделили на двоих. Один стал басистом и ритм-гитарой, другая – соло-гитаристом и, смешно сказать, клавишником. Но ударную установку церковный орган заменить не мог. Тогда возникла смелая мысль: позвать в проект настоящего рок-ударника. Выбор пал на музыканта группы «Мельница» Дмитрия Фролова и… органисты не прогадали. Дмитрий не только с радостью согласился на рискованный эксперимент, но и смог тонко почувствовать весьма специфический грув церковного органа. Репетиции проходили на маленьком хоровом органчике в готических подвалах кафедрального католического собора.

Англиканская церковь в Вознесенском переулке и католический собор на Малой Грузинкой

Англиканская церковь в Вознесенском переулке и католический собор на Малой Грузинкой

Выбрали песни с альбомов «The wall», «Dark side of the moon»и немного “Animals»

В какой-то момент захотелось разнообразить звучание. Музыканты стали думать, какой академический музыкальный инструмент не нарушит мистическую концепцию.

Выяснилось, что как ни странно, сильная сакральная семантика есть у арфы. У многих современных африканских племён арфист является центральной фигурой ритуального действа. Арфисты участвовали также в древнеегипетских ритуалах. Их изображения встречаются уже со времен Четвертой Династии. Также на иллюстрациях к Псалтири царя Давида почти всегда рисовали с арфой в руках. Вот только современные исполнители на арфе – это чаще всего нежные дамы, изображающие своей игрой плеск волн и прочие романтические пейзажи. Идеологам сакрального Пинк Флойда повезло. Они встретили удивительную девочку. Софья Москалёва была первая и единственная из российских арфистов, кто смог победить на международном конкурсе арфистов им. О’Кэролана в Ирландии, в стране, чьим символом является кельтская арфа. В честь нее в самый разгар санкций Европы против был поднят российский флаг на центральной площади г. Кидъю графства Роскоммон. После этой блистательной победы поклонник, пожелавший остаться неизвестным, подарил ей электроарфу, тембр которой идеально вписывался в органные аранжировки музыки «Pink Floyd». Последним дополняющим штрихом стало появление детского хора «Кантилена». Это не хор зайчиков, а драйвные подростки в черных худи и кроссовках. Они самозабвенно кричат «Hey teacher leave them kids alone!» под церковный орган и барабаны в фирменном стиле группы “Мельница” и ты понимаешь, что рок-н-рол живее всех живых.

Провести вечер в концертном зале Arbat Hall

#классика #музыка #классическаямузыка #концерт #Москва #концертвмоскве #орган #органнаямузыка #органныйконцерт #настоящийорган #ArbatHall #концертвArbatHall #PinkFloyd #Artbene

Интервью с барабанщиком из «Мельницы» Дмитрием Фроловым

15.03.2019|

Весенний трибьют в Арбат-холле! Легендарные композиции Pink Floyd соберут на одной сцене музыкантов группы “Мельница» (Дмитрий Фролов), органистов главных московских соборов(Анна Ветлугина и Дмитрий Максименко), единственную российскую арфистку, победившую в стране арфы – Ирландии (Софья Москалева) и детский хор, обладатель Гранта Мэра Москвы в области культуры и искусства (Кантилена)

Как вы относитесь к творчеству группы Пинк Флойд?

Первый раз я услышал эту группу в начале 1980-х. Тогда еще слушали музыку на бабинах – были такие огромные магнитофоны, молодежь, наверное, не в курсе, что это такое. И вот Даркс впервые прозвучал для меня с этого бабинного магнитофона. Это была совершенно, фантастическая, космическая музыка. Я тогда еще сам музыкой не занимался и даже близко не мог представить, как можно издавать такие нереальные звуки, мне казалось, что это могли делать только какие-то неземные люди. Но и позже, когда я стал ясно понимать, из чего обычно состоит рок композиция – мое восхищение творчеством Пинк Флойд не убавилось. До сих пор люблю, ценю и уважаю эту группу.

Считаете ли эту музыку актуальной сегодня?

Конечно да. И на мой взгляд, эта музыка будет актуальна всегда по той простой причине, что она не односложная, не развлекательная, это глубокие тексты, серьезные темы, которые никогда не потеряют актуальности. И звуковое сопровождение этих текстов также очень серьезно. Это не какие-то песенки, это – музыкальные полотна, которые, возможно, будут разбирать и анализировать спустя столетия, как классику ХХ века.

Ваше первое впечатление от идеи сыграть Пинк Флойд на церковном органе?

Когда меня пригласили в этот проект, то естественно это вызвало большое удивление.
Я был заинтригован! Мне еще никогда не приходилось играть в церкви, это было интересно и очень волнительно. Ведь ударная установка – достаточно мощный и яркий музыкальный инструмент и контролировать себя и свою подачу в акустике собора очень непросто. Но музыка Пинк Флойд, на мой взгляд, идеально вписалась в соборное пространство. Она размеренна, в ней нет каких-то сумасшедших темпов, безумного количества нот, партия ударных прозрачна. То есть, между нотами есть достаточное расстояние, что позволяет барабанам не душить окружающее и моя игра оказалась там вполне органична.

Почему вы согласились на этот проект?

Я хорошо знаю рок музыку 70-ых, и являюсь участником нескольких трибьют групп, которые играют музыку The Beatles и Led Zeppelin. Музыку Pink Floyd я слушал с детства, но никогда раньше не играл. И когда мне предложили поучаствовать в этом проекте, я с радостью согласился!

Оправдал ли проект ваши ожидания?

Оправдал на 100%! Реакция от публики, которую мы получили стала ответом на наши переживания и опасения: стоит или не стоит играть рок в соборе? А синтез церковного органа и барабанов – хорошо это или плохо? Прошел первый концерт и все наши сомнения развеялись потому, что все прошло на ура! Именно этот неожиданный микс – орган, барабаны, электроарфа, детский хор – сработал. Получилось очень интересно, публика была просто счастлива и мы тоже.

Что в этом проекте интересного для современного слушателя?

Наверное, надо прежде ответить себе на вопрос: а кто такой этот современный слушатель? В основной массе это молодежь, которая слушает то, что создается сейчас. А это огромное количество самой разной музыки, и масса композиций-однодневок, которые сегодня есть а завтра – нет. Немногие из нового поколения хорошо знают рок-классику, некоторым и названия Pink Floyd Deep purple Led zeppelin ни о чем не говорят. Мне кажется, это очень нужно и здорово – открывать для них эти имена. Я очень рад, что участвую именно в таком необычном проекте, где музыка прошлого века предстает в новом звучании. Pink Floyd в инструментальном органном варианте – с одной стороны это версия для гурманов, истинных ценителей творчества, которые будут узнавать знакомые мелодии. А те, кто сталкиваются с этой музыкой впервые, может быть, как ни странно, и лучше воспримут ее без жесткой привязки к рок-стилю. Во всяком случае, такие мнения мы слышали. И я надеюсь, очень надеюсь, что мы втянем молодых людей в этот мир, в эту Вселенную Pink Floyd. Для меня было бы большим счастьем знать, что после наших концертов они ищут в интернете оригинальные альбомы этой великой группы. Потому, что Pink Floyd – настоящая классика, которую необходимо знать каждому культурному человеку.

Дмитрий Фролов, группа "Мельница"
Дмитрий Фролов, группа “Мельница”

Посетить концерт “Вселенная Pink Floyd” в Arbat Hall

#классика #музыка #классическаямузыка #концерт #Москва #концертвмоскве #орган #органнаямузыка #органныйконцерт #настоящийорган #ArbatHall #концертвArbatHall #PinkFloyd #Artbene

Февраль 2019

Безумный алмаз группы Pink Floyd

27.02.2019|

Среди множества рок-групп Pink Floyd до сих пор остается одной из самых актуальных. Ее перепевают современные исполнители: творчество группы находит отклик и в современном роке, и у современных академических исполнителей.  Легендарному коллективу удалось выйти далеко за пределы молодежной субкультуры 1960-х, в рамках которой начался их творческий путь.

В свое время рок-музыка буквально “взорвала” общество: После  джаза, с его в общем-то всегда немного грустной историей, жесткие, остро-социальные композиции рока и панка объединили стадионы, стали новой музыкальной эпохой. Тексты песен молниеносно разносились на цитаты, они были на слуху благодаря тому, что впервые в популярной музыке были затронуты проблемы общества. Рок 60-х не стесняясь в выражениях повествовал о свободе, личности и новых нормах общества, отвергая любые ограничения личности. Все творчество той эпохи носило отпечаток этой идеологии.

Удивительно, но Pink Floyd изначально собрались, чтобы играть вовсе не рок, а джаз или блюз.  Сначала придумали себе уютное название “The Tea Set” (Чайный сервиз), но группа с таким названием уже существовала.  И тогда они решили назваться “The Pink Floyd Sound” – в честь любимых блюзовых музыкантов фронтмена группы Сида Барретта: Пинка Андерсон и Флойда Каунсил. Получилось длинновато и название быстро «усохло» до известного нам Pink Floyd.

Нельзя сказать, что музыканты специально искали свой неповторимый стиль. В всяком случае, работавший с ними продюсер Норман Смит никак не мог понять что хочет лидер группы Сид Барретт, но будущий основоположник целого направления в роке,  просто пребывал в своем мире, где были совершенно не важны ни модные тенденции, ни восприятие публики.

Остальные участники группы срабатывались с продюсерами гораздо легче, но именно Сид стал тем «Crazy diamond» – безумным алмазом, осветившим дорогу Pink Floyd.  Его детский эскапизм парадоксальным образом помог группе убежать от рок-действительности, но не от действительности жизни. Даже если бегло посмотреть тексты Pink Floyd  – становится виден широкий охват идей, не ограниченный обычной «протестной» рок-поэзией.

Тем не менее, несмотря некую отрешенность Сида Барретта, песни Pink Floyd попали в тренды времени. Тексты песен открывают злободневные, протестные вопросы вроде влияние войны на поколение (весь альбом “The Wall»). Есть и переклички с литературными источниками.  Альбом “Animals” напрямую связан с повестью  Дж. Оруэлла “Скотный двор”. Отсюда и знаменитый образ свиньи, знакомый поклонникам  группы по их необычным визуальным шоу.

Продуманная визуализация образов тоже всегда отличала Pink Floyd от многих других групп. Самым известным примеров визуализаций можно назвать фильм 1982-го года “Стена” (The Wall), снятый режиссером Аланом Паркером уже после пика популярности Pink Floyd (Сид Барретт покинул группу в 1968-м году). Сюжет фильма в целом почти олицетворяет не только альбом, который сопровождает весь видеоряд, но в целом творческую концепцию Pink Floyd: возведение “стен”, сепарация от внешнего мира и потом, в плену осознания собственного безумия, попытки эти стены разрушить.

Стиль музыки Pink Floyd невозможно определить одним словом. Прогрессивный рок, арт-рок, рок, спейс-рок, эйсид-рок, психоделическая музыка, экспериментальный рок, блюз-рок, хард-рок – вот неполный список определений, которые фигурируют в описании творчества группы. Это масштабное музыкальное явление, которое при всем желании нельзя уместить в какой-то один жанр. Потому композиции Pink Floyd так гармонично звучат в исполнении симфонического оркестра.

Отличительной чертой творчества Pink Floyd было стремление “расширить сознание”, выйти за грани, рамки, в то же время оградить себя от ригидного и конформистского общества. Эти идеи во многом перекликаются с общими христианскими идеями затворничества и самопознания. Возможно поэтому есть еще одна, довольно специфичная  сфера музыки, которая состоит в близком родстве с творчеством Pink Floyd: церковный орган.

 

24 марта 2019 в концертном зале ARBAT HALL

Орган непростой инструмент: с ним нелегко подружиться ни исполнителю, ни слушателю, но однажды открыв его для себя, этот звук становится узнаваем и близок. Его звучание непривычно и ново, оно стирает границы в понимании музыки, уносит за пределы сознания. Одно но. Церковные музыканты, как правило, имеют пристрастия далекие от рок-музыки. Правда, из любых правил существуют исключения.

Барочная музыка и ее истоки

27.02.2019|

Сейчас уже невозможно сказать точно, откуда взялось слово «барокко», давшее название целой эпохе в истории искусства. Скорее всего оно произошло из португальского языка, где «barocca» означает жемчужину неправильной формы. Сначала этот термин применяли только к живописи, он указывал на экстравагантность, странность или нарочитую неправильность, допущенную художником из концептуальных соображений. В мире музыки слово «барокко»  появилось только в XX веке. Впервые в 1919 году его использовал немецкий музыковед Курт Закс. Затем в музыковедческих кругах начались яростные споры о том можно ли свести к одному направлению творчество композиторов, творивших на территории всей Европы в течение 150 лет.

Научные дебаты продлились почти полвека, и к 1960-м музыковеды договорились называть словом «барокко» европейскую музыку от начала XVII века до середины XVIII. Некоторые исследователи расширяют этот промежуток, полагая, что в итальянской музыке признаки эстетики барокко появились уже к 70-м годам XVI века, (точкой отсчёта является наследие венецианского композитора Джованни Габриели (1556 – 1612)). Окончилась эпоха барокко в конце XVIII века в Англии и Испании.

Термин прижился и сейчас даже странно, как любители музыки могли обходиться без него раньше. Чем же отличается музыка эпохи барокко от предшествующего ей Ренессанса или от последующего Классицизма?

Композиторы эпохи барокко выросли на достижениях ренессансных мастеров, но применяли их технику иначе. Например аккордов, как таковых, в музыке ренессанса  не было, они возникали стихийно от наложения голосов. В барочной же музыке аккорд впервые выделяется в самостоятельное явление. Аккорды начинают подчиняться определенной иерархии и приобретают свои функции. Взаимоотношения более “сильных” и более “слабых”функций  делают музыку более напряженной по сравнению с отстраненностью музыки Ренессанса. Это позволило композиторам эпохи барокко воплощать в музыке внутренний мир человека и даже вылилось в «учение об аффектах», ведущее свое происхождение от риторики.  Согласно этому учению, музыка изображает эмоции и страсти человека, одновременно управляя ими.

Во времена барокко в помощь композиторам существовали готовые музыкальные рецепты для «приготовления»  того или иного аффекта. Они носили имя «риторических фигур». Музыковеды тех далеких времен установили аналогии между приемами ораторского искусства и средствами музыкальной композиции. Мелодия трактовалась, как способ довольно точной передачи информации, а словарем стали те самые “риторические” или “аффектные” фигуры –  характерные и узнаваемые мелодические фрагменты. Среди таких фигур, получивших широкое распространение в музыке барокко – catabasis (нисхождение) и anabasis (восхождение). Их часто использует И.С. Бах в своих “Страстях по Матфею” Первая из них выступает как символ погребения, вторая – Воскресения. Скачок на хроматический интервал, также любимый Бахом, изображает страдание или сильное эмоциональное напряжение. Внезапная пауза в барочных композициях тоже была “фигурой”. Она обозначала образ смерти.

В музыковедении баховских времен  существовало несколько систем классификации аффектов и фигур, связанных с ними, в разных вариантах их насчитывалось от восьми до нескольких десятков.Еще одним открытием барокко по сравнению с предыдущей эпохой было признание самостоятельной ценности инструментальных композиций. Раньше «серьезная» музыка могла быть только вокальной,  ее главной задачей было раскрывать смысл сакральных текстов. Новая идея “риторических фигур” дала возможность рассказывать историю звуками, без текстового первоисточника. В творчестве барочных композиторов появилось множество новых жанров – сонаты, концерты, сюиты. Вошла в моду программная музыка. Например, музыкальные  портреты у Ф. Куперена или широко известные «Времена года» А. Вивальди.

Для барочной музыки характерно широкое использование так называемого “цифрованного баса”, то есть строчки с цифрами, обозначающими структуру аккордов, которые должны были надстраиваться над партией баса. Играли аккорды, как правило, на органе (в духовной музыке) и на клавесине (в светской). В небольших ансамблевых пьесах XVI – начала XVII века партия цифрованного баса часто исполнялась на разновидностях лютни.

Музыка эпохи классицизма, пришедшая на смену барочной, отличалась большей прозрачностью. Музыкальные формы стали максимально четкими, полифония отошла на второй план. Новая эстетика, исполненная позитивного духа просвещения и борьбы со всяческой «метафизикой» не могла воспринять стихийную причудливость и неоднозначность барочной музыки . Поколение классицистов с относилось к достижениям своих предшественников с изрядной долей критицизма.  Именно этот факт стал причиной временного забвения творчества И. С. Баха.

Единственный в России большой духовой орган Kuhn

27.02.2019|

Какие органы самые лучшие? Наверное те, на которых играл Бах? Вопрос неоднозначный. Конечно, обязательно нужно послушать музыку Баха на инструменте XVIII века, вот только современному слушателю может не хватить экспрессии в звучании старинного органа. Ее не хватало уже слушателям XIX столетия, потому-то французский органостроитель Кавайе-Коль создал новый «романтический» орган, который по яркости и мощи мог конкурировать с оркестром. Но вот Бах звучал на таком инструменте немного странно и в ХХ веке додумались до универсальных органов, на которых возможно исполнять музыку любого стиля.

Орган Kuhn в Кафедральном соборе на Малой Грузинской в Москве

Орган Kuhn в Кафедральном соборе на Малой Грузинской в Москве

Один из таких универсальных органов размещен в католическом соборе на Малой Грузинской. Он родом из Базеля, построен в 1955 году известной швейцарской фирмой «Kuhn”. В 2001 году базельский собор решил помочь московскому собрату, подарив этот замечательный инструмент. Несколько лет велась сложнейшая работа по демонтажу органа в Базеле, а затем – по установке его в Москве. И вот в 2005 году он впервые зазвучал на новом месте. И оказалось, что звучит в Москве он лучше, чем в Базеле потому, что швейцарский собор был немного великоват для него, а московский оказался в самый раз. И многие европейские органисты, игравшие на нем в Базеле, начали приезжать в Москву, чтобы лично проверить этот удивительный факт!

Органные трубы единственного в России большого духового органа Kuhn в Кафедральном соборе на Малой Грузинской в Москве

Органные трубы единственного в России большого духового органа Kuhn
в Кафедральном соборе на Малой Грузинской в Москве

За четырнадцать лет пребывания в соборе на Малой Грузинской на органе “Kuhn”исполняли самую разную музыку от Баха до рока. Участвует он и в богослужениях. Органисты говорят, что он очень удобный, какой-то благодарный и публика очень любит его звучание. Наверное это потому, что он – подарок, и в нем до сих пор живет любовь даривших. Скоро на этом чудесном инструменте будут исполнены самые душевные и красивые мелодии знаменитого оркестра Поля Мориа.

Посмотреть афишу органных концертов в соборе на Малой Грузинской >>

Декабрь 2018

Поздравляем наших слушателей с наступающим Рождеством и Новым годом!

14.12.2018|

Мы благодарим вас за поддержку и дружбу на протяжении 17 -ти лет работы фонда!
Пусть вифлеемская звезда, возвестившая миру пришествие на землю Сына Божьего, осветит и согреет ваши сердца, принесет в ваши дома и семьи радость и надежду!
Пусть грядущий год будет мирным и добрым, наполненным взаимопониманием и любовью друг к другу.
Приглашаем к дальнейшему совместному пути в деле распространения искусства и добра.
Будьте счастливы!
С наилучшими пожеланиями,
Президент Благотворительного Фонда «Искусство Добра»
Новаковская Валентина Альбиновна